Arquivo de Entrevista



Em 2019, as estrelas de cinema e teatro Jake Gyllenhaal e Tom Sturridge uniram forças para apresentar dois monólogos independentes, Sea Wall/A Life no The Public Theatre da Off-Broadway, antes de se transferirem rapidamente para Hudson da Broadway. A tiragem limitada terminou poucos meses antes de COVID-19 forçar o fechamento de todos os teatros da Broadway.

Mais de um ano depois, os dois são indicados ao Tony Award de Melhor Ator Principal em uma Peça, mesmo com a Broadway em um fechamento sem precedentes que deixou a indústria e seu público mais famintos do que nunca pelo retorno das performances ao vivo. Os dois atores se reconectaram recentemente para discutir suas experiências de trabalho nesses monólogos profundamente pessoais e para refletir sobre um ano sem teatro nesta conversa, que foi editada para maior clareza.

Jake Gyllenhaal: Eu já ouvi você falar sobre isso antes, mas talvez você possa falar sobre por que você queria fazer o Sea Wall em primeiro lugar?

Tom Sturridge: Acho que a primeira coisa foi meu relacionamento com [o dramaturgo de Sea Wall] Simon [Stephens]. “Literalmente” é uma palavra chata para usar em uma frase, mas ele era literalmente a razão de eu fazer teatro. Ele me deu meu primeiro emprego no teatro. Não sei se é o mesmo nos Estados Unidos, mas na Inglaterra o teatro é uma comunidade bastante difícil de entrar se você for inexperiente. Eu nunca tinha feito uma peça antes de conhecer Simon – Simon foi o primeiro autor a acreditar em mim. E então, alguns anos atrás, ele veio me ver em um show que eu estava fazendo em Nova York e ele me entregou o Sea Wall – foi um dos textos mais bonitos que eu já li. Obviamente, a maior parte disso é sobre a paternidade – ser um jovem pai – e eu era um jovem pai, então isso falou com quem eu era e sou. E essa foi uma parte da minha vida que eu nunca explorei no meu trabalho, e eu realmente queria. E você, por que e A Life?

Gyllenhaal: É estranho como nossas jornadas são paralelas em termos de ambas as peças… Ambos seguimos nossa paixão por essas duas peças por anos. A diferença para mim foi que eu tive que implorar a Nick Payne para fazer A Life e Simon simplesmente veio ao seu show e entregou a você! [Risos.] Mas, e talvez o mais importante, não poderíamos fazê-los sozinhos, eles não eram completos de alguma forma sem o outro e então o destino interferiu e nos uniu … Para mim, esse é o show. As peças existem separadamente umas das outras na página, mas não podem ser totalmente expressas sem a outra no palco.
Quando li A Life, fiquei profundamente comovido. Quão vulnerável, quão específica e quão íntima a narrativa era. A especificidade, o humor e a honestidade do diálogo de Nick é o motivo pelo qual amo sua escrita. Mas essa peça era diferente das outras duas que fiz com ele e era uma responsabilidade dupla, porque era lidar com coisas reais, momentos reais que aconteceram na vida de Nick. E eu acho que a falta de ficção é o que me fez querer fazer isso: a ideia de que muito do que fazemos como performers é realmente uma performance, e o esforço disso é tentar movê-la o mais próximo do que realmente estava no momento. E isso é difícil de fazer com uma escrita que não é tão boa quanto a de Simon e Nick.

Sturridge: Você acha que sabíamos desde o início que era necessário não atuar – ou pelo menos não interpretar o texto da maneira que tínhamos interpretado os textos antes?

Gyllenhaal: O que eu senti da minha conexão com A Life e o que eu senti da sua conexão com o Sea Wall, foi que eles foram tecidos em nós tão profundamente, que não havia outra escolha além disso. Lembro-me do verão antes de fazermos a peça, trabalhando com Carrie [Cracknell, diretor de Sea Wall / A Life] e Nick no apartamento que eu estava hospedado em Londres e ele estava reescrevendo partes e eu estava apenas chorando enquanto as líamos em voz alta. Quando alguém fala sobre perda ou amor da maneira que esses dois escritores falam, isso faz muito por você. E egoisticamente como ator, tudo que eu quero fazer é trabalhar em peças que já fizeram muito do trabalho para mim.

Sturridge: Eu sei! E essa é a parte estranha de tudo isso, você apenas teve que sair do caminho.

Gyllenhaal: Fiquei surpreso ao observar seu processo de chegar lá. Criando seus limites e suas barreiras e suas próprias suposições e, em seguida, derrubando-os. É tão interessante porque para mim, como artista, você é alguém tão astuto, tão consciente e sensível – e ainda assim, você também respeita profundamente o que vai acontecer. Você cria ideias para si mesmo e se elas não funcionarem para você ou não funcionarem ou funcionarem, você segue em frente sem muito atrito ou angústia. Fiquei tão comovido com sua coragem como criador. Eu sou alguém que gosta de entrar em uma sala e mexer e pensar e eu consigo todas as respostas e volto – porque eu acho que provavelmente tenho mais medo de uma percepção.

Sturridge: Lembro-me de várias repetições de A Life durante o processo de ensaio que foram dramaticamente diferentes de onde você chegava.

Gyllenhaal: Sim, mas eles não foram por minha sugestão! Essas eram todas “ah, isso não está funcionando, como podemos ajudar esse cara a fazer funcionar?” As suas foram: “Vou fazer essas escolhas, já pensei sobre isso.”

Sturridge: [risos] Nesse ponto, a resposta foi do público: “Isso não está funcionando!”

Gyllenhaal: [risos] Sim, também houve aqueles momentos de ensaio em que decidi parar faltando mais da metade do meu monólogo…

Sturridge: Oh meu Deus! Eu esqueci disso! Mas era tão necessário. Eu ia lá e arrasava com o Sea Wall, estava sempre bem. E então você se levantava e todos nós fazíamos apostas sobre “em que ponto Jake irá simplesmente parar e sair da sala de ensaio? Ele vai terminar a peça? Ou vai demorar oito minutos hoje?”

Gyllenhaal: Parte do meu processo é desistir às vezes! [Risos] Mas, honestamente, demorei um pouco para realmente me sentir à vontade para me comunicar diretamente com o público. Acho que tive que passar pela vergonha de ser terrível e me acostumar com a novidade de realmente ver seus rostos. O processo de trazer pessoas aleatórias para a sala de ensaio era aterrorizante e humilhante, mas absolutamente necessário. Um passo tão importante no início, falar com estranhos – entender que o show era sobre eles e não sobre mim. E depois de algum tempo eu me senti tipo: Eu entendi. E você ainda estava trabalhando nisso e me lembro de ter pensado: “ooh, não sei se Tom vai ser legal na frente do público.” E então você só arrasou com tudo. [Risos] Não, eu acho que você tem mais experiência nesse espaço, de saber que agora não é o fim de tudo. Acho que para mim havia medo de me apresentar e de mostrar a bagunça que eu sou. Qual foi a sua passagem favorita do Sea Wall?

Sturridge: É estranho. Quando você faz essa pergunta, a primeira coisa que você faz é voltar à sua memória do texto. Mas minha memória é mais de momentos ao vivo. Tipo, não tanto o que eu disse, mas houve momentos dentro da peça em que estávamos fazendo isso na frente de um público que eu esperava ansiosamente. Há um momento na peça em que descrevo o paredão pela primeira vez. Que era uma espécie de ponto de respiração, e um espaço nela … Era o momento da peça em que eu não sabia que direção ela iria tomar. E sempre dizia muito de como o público reagia a isso – como a noite seria. E isso só me faz pensar sobre o teatro e sua imprevisibilidade.

Você sabe o quê? Essa pergunta, “qual é a sua parte favorita?” Minha resposta foi um disparate total. Talvez seja verdade para todas as peças, talvez seja específico para monólogos, mas não havia nenhuma parte. Você acabou de mergulhar nesta piscina. E realmente, só me lembro quando saí. Havia tantas versões de quem éramos quando entrávamos. Lembro-me de entrar e de ir embora.

Gyllenhaal: Tive essa sensação quando nos mudamos para a Broadway. Naquela primeira noite, aquela primeira prévia em que estava lotado.

Sturridge: O primeiro ensaio aberto foi um indicativo da diferença entre The Public e Broadway. Eles foram tão poderosos em suas respostas. E meio musculoso na forma como eles mesmos podiam interpretar a peça e puxá-la para longe de nós. E assim você poderia continuar com todas as intenções que quisesse, mas quero dizer, a peça ia para onde eles queriam que ela fosse. E isso foi a coisa mais libertadora.

Gyllenhaal: Sim! Mas a gente teve que se preparar pra pegar aquele bicho, sabe? Quando você diz “musculoso”, acho que é verdade. Todas as noites, o que era tão emocionante nas apresentações era que era o show do público, e o público nos dizia aonde queria ir. De muitas maneiras, as coisas de que mais sinto falta no teatro são as experiências que vivemos sozinhos naquele palco. Sabe? Algo sobre não ser um grande elenco e ter que confiar uns nos outros. Pude ver mais o público. Se tivéssemos 20 pessoas no palco, você sentiria o público, mas não os veria da mesma forma. Já com Sea Wall / A Life éramos apenas nós e o público. E sei que parece óbvio, mas pude perceber por que sinto tanta falta do teatro … porque é tudo sobre eles. É tudo uma questão de público. E é tudo sobre todos se reunindo e o espaço que compartilhamos. E pudemos ver isso, de uma forma que eu nunca fui capaz de ver no palco. Porque estávamos olhando diretamente para eles.

Sturridge: Sim, olhando para eles. E eles estavam falando conosco. E você estava caminhando por suas bolsas.

Gyllenhaal: [risos] Sim. Algumas pessoas perderam seus AirPods durante nossa corrida – eu tenho um pouco de Fagin em mim! Brincando. Eu senti como se fosse nosso show. Quer dizer, se não fosse por você, Tom, a peça nunca teria acontecido. Porque eu ia cair fora antes de fazermos ela no The Public.

Sturridge: Fale sobre o aspecto de produção disso. Em primeiro lugar, o fato extraordinário de que você estava fazendo Slave Play ao mesmo tempo, e como – obviamente, estou a par de muito disso – mas como nós passamos do The Public para a Broadway? Porque este não é um show da Broadway óbvio, e ainda estou meio surpreso que ele deu aquele salto e que o risco foi assumido – e você estava comandando aquele trem.

Gyllenhaal: Bem, foi o momento perfeito, pois sabíamos que o Hudson estava disponível por um curto período de tempo. Como produtores, pensamos: este show provou que funciona, temos um certo tempo, uma certa quantidade de ingressos para vender, e eu acreditei que poderíamos fazer isso quando olhei para todas as análises do que era possível, apenas em um nível puramente financeiro. E concordamos que seria possível organizar o show para um período limitado de final de verão e receber de volta o dinheiro de todos.

Sturridge: Isso se baseia na noção de que, se, dentro desse período, o teatro estivesse cheio, todos teriam seu dinheiro de volta? Foi uma decisão matemática ou você está falando sobre a possibilidade de fazer as pessoas irem ao teatro quando normalmente não vão, ou seja, no calor do verão, quando não há ninguém na cidade?

Gyllenhaal: Bem, acho que são os dois. Eu olhei para ele como: quão grande é o risco? Qual é o risco por parte do público? E qual é o risco para as pessoas que irão investir? Porque acredito que quando você está produzindo ou agindo em qualquer coisa, você tem a responsabilidade de fazer um retorno sobre esses investimentos. Nem sempre é possível, e é muito difícil quando você está fazendo isso na Broadway. Mas nós olhamos e eu disse tudo bem, a matemática poderia funcionar. E então eu misturei naquilo uma coisinha chamada fé – ou talvez insanidade. Pensei comigo mesmo, essa é uma história que pode levar as pessoas à cura. E nós simplesmente continuamos com isso.

Embora tenha sido inicialmente anunciado como esses dois monólogos sobre a morte, na verdade eu sempre os encarei como monólogos sobre a vida. E então eu senti que era possível, e eu sabia em algum lugar em meus ossos, desde o momento em que li A Life e então quando nos reunimos para fazer isso juntos, eu sabia que se pudéssemos comunicar às pessoas que este era um show sobre a vida e sobre a afirmação da vida, que as pessoas viriam. E eles vieram. E as pessoas falaram sobre isso. Quando as pessoas iam aos bastidores quando estávamos no The Public – sim, havia pessoas com o coração partido, sim, havia pessoas que choravam. Mas também houve pessoas que decidiram fazer escolhas em direção à verdade em suas próprias vidas como resultado de ouvir as palavras de Simon e Nick, o que me fez pensar: “Precisamos levar isso a um público maior, se possível. Simplesmente não parece certo parar agora.” E então foi uma questão de tentar, descaradamente, convencer as pessoas a embarcarem no trem e … para nossa surpresa, tivemos tantos financistas maravilhosos que o fizeram. Mas, para mim, acho que abordamos isso de um ponto de vista muito diferente, que foi: a natureza do show era tentar ser nós mesmos o máximo possível, então queríamos trazer isso para o palco em todos os sentidos. Então, tentamos rotas diferentes. Tínhamos um orçamento muito pequeno para marketing e … é uma equipe de marketing e uma equipe de publicidade incríveis.

Sturridge: Como surgiu o mural com JR na parte de trás do teatro?

Gyllenhaal: Eu conheço JR há vários anos e ele captura o rosto humano de forma tão bonita. Pensamos: vamos fotografar a primeira amostra do público e vamos usar aquela parede de fundo, o espaço que raramente é usado para expressão. Não sei como você se sente, mas sempre achei que os fundos dos teatros são as partes mais legais e íntimas de um teatro.

Sturridge: Eu senti que isso deu a nós – e ao público que tirou as fotos conosco – tal propriedade daquele espaço. Era uma sensação incrível passar por ela todos os dias. Chocante… O Slave Play teve uma abordagem semelhante?

Gyllenhaal: Quando vi Slave Play pela primeira vez, pensei que era um desafio da maneira que a Broadway precisava e o mundo precisava. Quer dizer, nós dois nos beneficiamos de um sistema que historicamente beneficia os homens brancos e reconheço que nasci com o privilégio de ser um homem branco. E Slave Play me virou do avesso e me fez sentir abalado e desconfortável e me animou e me perturbou e … E eu acho que é o que eu amo como membro da audiência, é quando eu saio abalado É uma experiência rara quando você é realmente desafiado por uma peça inteira. De que outra forma podemos aprender? De que outra forma podemos crescer? Muitos artistas em minha vida mudaram minha trajetória pessoal com um show que vi – estou falando sobre minha vida.

Quero dizer, é interessante, Slave Play e Sea Wall são profundamente diferentes, mas eles têm uma semelhança porque acho que ambos mexem com você. E me senti assim quando vi Slave Play e me senti assim quando li A Life e depois quando ouvi você ler Sea Wall. Quero dizer abalado, mas estranhamente em casa. Me senti confortado por alguém dizendo que há muito trabalho a ser feito. Como produtor, essa é a arte que quero ver. Você sabe, arte que muda o ponto de vista.

Sturridge: Existe algum outro teatro que você está tentando montar nestes tempos incertos agora para o futuro?

Gyllenhaal: Estamos trabalhando nisso. Quer dizer, para mim também não é apenas sobre as histórias, é sobre as mentes. As mentes das pessoas que querem fazer, desafiar dessa forma. Mas não me interpretem mal, também sou um grande fã de grande entretenimento alegre e também sou um fã de teatro musical padrão. A alegria dessas experiências também é algo que adoro. Eu não preciso apenas ser despedaçado e abalado.

Sturridge: O “Sunday in the Park with George” ainda está chegando ao West End?

Gyllenhaal: Cara, espero que sim. Nós vamos tentar. Definitivamente vamos tentar. Foi doloroso cancelar…

Sturridge: Você se lembra de nossos rituais durante o Sea Wall/A Life?

Gyllenhaal: Eu me lembro quando você saia do palco todas as noites, você avaliava o público e a energia do público de uma forma tão honesta para que eu pudesse ter um terreno firme e saber para onde estava indo. Era como se você fosse a linha de frente e, em seguida, você vinha e dizia: “É com isso que estamos lidando. Tem isto ali e aquilo ali e este é um grupo maravilhoso. ” Você sempre dizia isso para mim: “Há um grupo maravilhoso bem atrás aqui” ou “Há três pessoas na frente que são tão amáveis”, ou “cuidado com o homem com o saco plástico cheio de doces na fileira dois do lado direito.”

Sturridge: Sim, a primeira fileira sempre foi assustadora porque a primeira era a única fileira que você podia ver completamente.

Gyllenhaal: [risos] Sim.

Sturridge: Certamente houve alguns clientes recorrentes. E os rituais fora do palco?

Gyllenhaal: Oh sim. Quero dizer, eu estava falando sobre, eu estava falando outro dia sobre o pré-show e depois entre os shows para nossas escapadas com sushi do Whole Foods.

Sturridge: Nós chegamos a tentar fugir do sushi Whole Foods?

Gyllenhaal: Uma vez tivemos uma refeição realmente chique! Lembro que caminhamos pelo parque e nos disseram: “Vamos fazer uma refeição realmente chique!” Isso foi um erro.

Sturridge: Toalha de mesa branca, três pratos… totalmente, totalmente errado, totalmente não é o que você precisava antes de um grande show. Saímos sentindo-nos mal.

Gyllenhaal: [risos] Nós pensamos que teríamos uma celebração chique e foi um desastre. Ou, como você, quando vomitou na lata de lixo do The Public, foi ótimo.

Sturridge: Essa foi uma das experiências mais assustadoras de toda a minha vida.

Gyllenhaal: Estou tão orgulhoso de você que você fez isso, foi incrível. E você fez algumas merdas bem assustadoras como artista, então isso diz muito.

Sturridge: O nível de euforia passando por aquele show depois – eu nunca experimentei nada parecido.

Gyllenhaal: O que você mais espera quando as apresentações retornarem?

Sturridge: Você não está tão animado por simplesmente ir ao teatro de novo? Cumprimentar a pessoa ao seu lado e aplaudir de pé quando um ser humano pisa em um pedaço de madeira na sua frente instantaneamente, o que quer que ele faça, seja quem for. E apenas a celebração de estarmos vivos e juntos novamente.

Gyllenhaal: Sim.

Sturridge: Vou conseguir um ingresso para o que quer que seja. A primeira expressão de palavras no espaço. Não quero seguir o tipo de rota polêmica, mas temos revertido muito para a tecnologia de uma maneira excelente e ela nos salvou. Quero dizer, você sabe, nossas televisões e nossas transmissões e nossos telefones e todas essas coisas. Você meio que esquece que o teatro é um dos últimos bastiões de espaços onde essas coisas não são permitidas. Apenas estar em uma sala junto com um monte de pessoas focadas na mesma coisa, será meio emocionante.

Gyllenhaal: Infelizmente, é a razão pela qual pode ser uma das últimas coisas de volta… Oh, devemos falar sobre nossos rituais sagrados pré-show. Quais foram eles?

Sturridge: Tocar os assentos.

Gyllenhaal: Tocando os assentos e suas cebolinhas cruas à noite.

Sturridge: [risos] Cebolinha crua à noite. Essa foi uma fase de três semanas. Não era sagrado.

Gyllenhaal: Seu hálito não foi sagrado por 3 semanas seguidas, mas você disse que era necessário, então aceitei o golpe e fiquei grato por estarmos no palco sozinhos! Podemos falar sobre nossa incrível equipe, particularmente nosso incrível gerente de palco e equipe de gerenciamento. E eu não sei como você se sente, mas acho que sem eles eu não poderia fazer o show. E o nível deles – acho que o que é imbatível sobre a equipe no palco é que eles estão profundamente envolvidos emocionalmente da mesma forma que os criadores ou os atores. Compartilhamos tantos sentimentos entre nós e havia muito apoio quando estávamos nos debatendo e havia muito amor o tempo todo. Quer dizer, íamos nos reunir no escritório de Peter [Peter Lawrence era o gerente de palco] antes do show e então você sempre iria para os bastidores. Você sempre ia e entrava pela frente do teatro.

Sturridge: Isso é o que eu nunca, jamais, esquecerei. Eu entrava pela frente da casa, entrava no bar, pegava uma cerveja no bar, andava pelo corredor enquanto já tinha, sabe, mil pessoas encontrando seus lugares. E foi simplesmente a sensação mais extraordinária. Subir no palco – às vezes sem ninguém perceber, às vezes era uma espécie de ato extremamente controverso que todos ficavam boquiabertos. Foi a minha versão daquele canal que você falou. De repente, foi muito difícil não dizer a verdade quando você meio que saiu da rua para o palco. Daria muito trabalho tirar um personagem de dentro de você e isso realmente ajudou a matar todas as minhas tentativas de fazer isso.

Gyllenhaal: Que momento especial. Eu aprecio isso profundamente em meu coração. Eu aprecio isso profundamente. Você conhece aquela sensação de: você está no lugar certo. Estávamos no lugar certo. Era a coisa certa a fazer. E esses momentos em sua vida são raros. Eu te amo e adorei trabalhar com você. Não há ninguém que eu conheça que possa avaliar e também se entregar com o coração tão aberto.

Sturridge: Nós estávamos muito felizes. Só estou pensando em nós indo até o sushi da Whole Foods! Foi um verão maravilhoso.

Gyllenhaal: Todos nós teremos esses momentos novamente. E temos que voltar ao sushi da Whole Foods, bem ali na 42nd Street, e fazer isso. E então ir assistir uma peça.

Sturridge: E então ir assistir uma peça. A primeira peça.

Gyllenhaal: OK. Estou dentro.

Sturridge: A menos que estejamos nela!

Gyllenhaal: Mesmo se estivermos nela, temos que ir e fazer isso. Se você estiver em uma peça que eu vou assistir, é melhor me encontrar no Whole Foods sushi. Entre a matinê. No entanto, nada de cebolinhas cruas na noite anterior.

Sturridge: Tudo bem. Combinado.


Fonte: Playbill
Tradução & Adaptação: Equipe Jake Gyllenhaal Brasil

Jake Gyllenhaal foi indicado a três prêmios Tony, um como ator na peça Sea Wall/A Life e dois como produtor (com sua companhia Nine Stories) de Sea Wall/A Life e Slave Play. Atualmente na produção do thriller de ação Ambulance de Michael Bay, ele conversou com a Variety sobre por que deseja tornar o teatro uma parte ainda maior de sua vida e trabalho.

Sea Wall/A Life foi apresentada na Broadway no verão de 2019, que parece uma vida real atrás. O que você lembra sobre a temporada na Broadway?

Pensar nisso me faz sentir muita falta da Broadway. Realmente se tornou um exemplo para mim de porque eu faço arte, que é a interação com o público, principalmente um público ao vivo. O show era de dois monólogos, mas pensamos nele como um diálogo com o público, e quem quisesse falar conosco depois, em talkbacks ou nos bastidores ou na porta do teatri, podia nos contar sua história. Essa troca parece profundamente ausente em minha vida agora. Isso faz meu coração doer. Todas as noites éramos surpreendidos por uma história que alguém nos contava.

O que Sea Wall/A Life lhe deu a chance de fazer que você ainda não tinha feito no teatro?

Eu adorei que esse espaço enorme e sagrado de um palco da Broadway fosse ocupado por essa pequena história. Até aquele ponto, eu nunca tinha feito uma peça nova – eu só tinha feito revivals – então essa foi minha primeira experiência ajudando a formar um personagem com um escritor. Eu também nunca desempenhei um papel baseado em algo real. Foi uma responsabilidade.

Você tem voltado ao teatro a cada dois anos. O que o traz de volta?

Uma é a capacidade de sacudir as pessoas da mesma forma que sou sacudido por histórias no teatro. Saio e vou embora diferente do que entrei. Anseio pela provocação que o teatro pode ser, que uma grande ideia pode trazer. Eu fui mudado e desafiado por isso. Há uma reflexão e uma discussão e um diálogo que acontece no teatro que você não consegue em nenhum outro lugar, na verdade.

À medida que você começa a produzir mais teatro, quais são seus objetivos?

Quando você vê ou lê algo extraordinário, é quase como um contato alto. Se eu ver algo incrível como Slave Play que me comove e destrói minhas suposições ou presunções, quero tentar ajudar de todas as maneiras que puder a levar esse mesmo sentimento a outras pessoas. No Nine Stories, minha parceira de produção Riva Marker e eu queremos tentar pegar histórias que as pessoas normalmente não veriam no espaço da Broadway e trazê-las para lá. Nossas intenções são construir uma verdadeira ala de teatro do Nine Stories. Estamos construindo agora. Esperamos que o cinema influencie a seção de teatro e vice-versa.

A temporada 2019-2020 trouxe a você suas primeiras indicações ao Tony. Como você se sente?

Pode não parecer, mas eu sou um garoto do teatro e sempre fui, então é realmente uma honra. E ver Slave Play ser reconhecido do jeito que foi – foi maravilhoso saber que estávamos envolvidos em algo assim. Foi uma coisa muito legal em um ano improvável.


Fonte: Variety
Tradução & Adaptação: Equipe Jake Gyllenhaal Brasil

Jake Gyllenhaal foi indicado ao Tony Award por sua atuação na peça Sea Wall/A Life e também como produtor (Sea Wall/A Life e Slave Play). Confira a entrevista que o ator concedeu para o The New York Times após sua indicação:

Esta tarde Jake Gyllenhaal realizou um feito inédito: recebeu sua primeira indicação ao Tony por seu papel como Abe na segunda parte de Sea Wall/A Life, dois monólogos narrados por jovens pais, e foi produtor em dois trabalhos nomeados para melhor peça (Sea Wall/A Life e Slave Play). Tom Sturridge, que se apresenta na primeira parte da peça, Sea Wall, também foi indicado a melhor protagonista em uma peça.

Em uma entrevista na noite de quinta-feira, o ator falou sobre superar seu medo inicial de estar sozinho no palco por uma hora, a evolução de sua performance ao longo de suas apresentações e como foi ter seu pai na plateia. Estes são trechos editados da conversa.

Qual é a sensação de receber sua primeira indicação?

Estou extremamente comovido. Em um momento em que tudo é tão incerto, é bom ter um pouquinho de certeza. “Sea Wall/A Life” foi algo criado entre amigos e se tornou uma jornada muito intensa e significativa para todos nós.

Quão diferente é atuar e produzir shows dentro da Broadway e fora dela?

Eu sabia que estava vendo algo extraordinário quando assisti “Slave Play” pela primeira vez, e eu sabia que queria ajudá-la alcançar o maior número de pessoas possível. E então quando trouxemos “Sea Wall/A Life” para Broadway, eu senti como se estivesse em uma espécie de show de rock apresentando um monólogo. O teatro Hudson é um teatro tão vertical, e a plateia parece estar muito próxima de você. Eu me lembro de sair encharcado de suor depois da primeira prévia da Broadway, e pensei, “Caramba, isso vai exigir muita hidratação.”

Como sua performance evoluiu ao longo das apresentações?

No início eu estava absolutamente apavorado por estar sozinho no palco interpretando um monólogo de uma hora, enfrentando as minhas maiores inseguranças e projeções. Então, inicialmente, era muito mais sobre o êxito de terminar tudo com a maior parte da escrita intacta na primeira parte. Depois, quando fomos para Broadway, eu realmente senti que estava conversando com o público e era capaz de ouvi-los de uma forma que não conseguia quando estava mais assustado.

Você interpreta um personagem que está lidando com um pai moribundo. Seu próprio pai teve a oportunidade de assistir a peça?

A primeira vez que a apresentei para meu pai foi surreal e muito comovente. Acho que não temos muitas oportunidades para falar com nossos pais – falando por mim mesmo, eu não tenho – sobre o que pensamos sobre eles morrerem. Poder conhecer a pessoa no escuro é realmente ouvir e ser capaz de falar com o coração aberto sobre isso – você vai me fazer chorar. Foi uma honra poder dizer a ele o quão importante ele é para mim.


Fonte: The New York Times
Tradução & Adaptação: Equipe Jake Gyllenhaal Brasil

O público aos prantos foi uma cena comum durante as nove semanas de exibição de Sea Wall/A Life ano passado na Broadway, as peças solo de um ato estrelando, respectivamente, Tom Sturridge e Jake Gyllenhaal. Dirigido por Carrie Cracknell, as peças – conectadas apenas pelo tema de pesar impensável e a possibilidade de esperança por um fio – foram a combinação para uma noite poderosa de teatro, ganhando resenhas críticas e casas lotadas, recuperando seu investimento de $2,8 milhões apenas dois meses depois sua estreia em agosto de 2019 no teatro Hudson.

Grande parte do sucesso da produção, comercial e artisticamente, foi graças ao elenco. Dois atores com nomes conhecidos em Hollywood e com experiência na Broadway, Gyllenhaal e Sturridge, sob a direção eloquente e imaculadamente detalhada de Cracknell, deram performances que doem na alma.

Sturridge sobe ao palco primeiro, escalando o quebra-mar que deu nome a sua peça. Escrita pelo dramaturgo Simon Stephens (Punk Rock, The Curious Incident of the Dog in the Night-Time), a peça traz Sturridge como Alex, um doce britânico de vinte e poucos anos, pasmo com a perda de sua amada filha e o que pode ou não ser o colapso de seu casamento.

Em seguida, temos Gyllenhaal em A Life de Nick Payne. Falando diretamente ao público, como Sturridge havia feito antes dele, Gyllenhaal interpreta Abe, um homem preso entre a tristeza do recente falecimento de seu pai e o deslumbre pelo nascimento de sua filha. Ambas as perspectivas – vida sem ele, vida com ela – aterrorizam Abe antes de fortalecê-lo.

Desde outubro do ano passado, quando Sea Wall/A Life finalizou sua exibição, tudo mudou. O Deadline pediu a Gyllenhaal, Sturridge e Cracknell para refletirem sobre seu show – uma das 18 produções da Broadway elegíveis para as próximas indicações ao Tony Award – e o que ele oferecia ao público, e imaginar o que poderiam dizer ao público neste momento doloroso. Eles compartilharam o que mais sentem falta sobre o teatro e o que cada um espera fazer, talvez mais cedo do que você imagina.

A conversa foi editada e condensada para maior clareza e duração.

DEADLINE: Jake, você na verdade teve duas novas produções na Broadway ano passado – você foi um produtor em Slave Play. Geralmente você teria a chance de se reconectar com todo mundo na primavera por causa do Tony Awards e toda a loucura e festas que acontecem com ele. Quão decepcionante está sendo esse ano?

JAKE GYLLENHAAL: Eu acho que foi tão prolongado. Todos na Broadway são guerreiros, então todos estavam prontos pra seguir em frente e continuar até que fomos forçados a parar. Eu não conheço nenhum outro ramo que trabalhe tão arduamente e que continue a trabalhar em quase qualquer circunstância, e realmente só foi interrompido por esta pandemia. Então, para mim, sempre houve esse ímpeto [de avanço] na Broadway para não prestar atenção ao que um dia já foi, e agora ficamos sem nada que possamos dizer com confiança sobre o futuro. Então, estamos olhando para trás e nos sentindo nostálgicos. Há muito para se sentir falta em relação ao encontro e as pessoas, seja estar nas festas para o Tony Awards ou as apresentações, e é disso que sinto tanta falta.

Houve inúmeras vezes durante esse período onde me senti muito grato por ser um artista, muito grato por ter o trabalho de contar histórias, mesmo que não seja possível fazê-lo no momento. Nunca me senti tão grato por ter isso como meu trabalho e por compreender seu poder pela falta de oportunidade de fazê-lo. Também vou dizer, acho que agora é um tempo onde há todo esse desenvolvimento e os artistas estão se juntando. Tem gente com quem eu queria falar e nunca teria conseguido, mas todo mundo está conversando, sabe? Ideias estão sendo trocadas e coisas novas estão acontecendo e coisas que eu realmente achei que queria fazer caíram no esquecimento e novas coisas surgiram que realmente parecem muito mais profundas e próximas do meu coração.

DEADLINE: É possível ter uma conexão real através do Zoom?

GYLLENHAAL: Acho que quanto mais você valoriza essas interações, mais você vai lutar por elas, e a luta acontece ao tentar praticar a paciência e tentar se encaixar em um espaço onde parece certo esperar, porque se você realmente valoriza o teatro acho que vale a pena esperar. Qualquer filosofia de teatro diz que não é apenas a experiência de assistir a apresentação, é a semana seguinte, é a semana anterior, é a experiência de comprar os ingressos, a coisa toda. Eu acho que a catarse que sentiremos, o orgulho que sentiremos, a empolgação que sentiremos será dez vezes maior por causa do tanto que o público esperou por esta experiência. Falando por mim, minha experiência de teatro ainda está acontecendo enquanto espero por ela.

DEADLINE: Quão difícil é planejar agora o que vocês farão a seguir, principalmente no teatro?

GYLLENHAAL: Eu estava indo para Londres [quando tudo foi suspenso] para fazer Sunday in the Park with George no West End e nós tivemos que adiar a apresentação, que foi adiada um ano e ainda temos toda intenção de fazê-la. E então eu estou planejando umas coisas bem divertidas que não posso falar sobre mas que espero que aconteçam logo após o ano novo, e que seria feito com segurança. Por mais que eu fale sobre paciência, ainda tenho que trabalhar nisso e estou tentando colocar as coisas, com sorte, para fevereiro/março, mas com segurança. Então há planos de fazer um certo tipo de performance ao vivo, é a melhor maneira que eu poderia dizer. Não sei se vou ficar bem com isso – fazer uma apresentação apenas com nós e mais ninguém.

DEADLINE: Existem planos para vocês três trabalharem juntos novamente? Sei que vocês fizeram um audiolivro do Audible para Sea Wall/A Life, mas tem alguma conversa sobre filmar ou interpretá-la novamente?

GYLLENHAAL: Foi uma combinação tão improvável de pessoas, de palavras, e aconteceu da maneira afortunada que foi, e por falta de uma palavra melhor, mágica. Não acho que sentimos que tudo acabou e acho que há algo especial e lamento falar por todos nós, mas minha observação é que estamos todos prontos para qualquer coisa. Eu faria qualquer coisa com esse grupo novamente, incluindo Sea Wall/A Life, que talvez apareça em uma encarnação diferente. E se talvez nunca acontecer de novo, acho que todos ficaríamos, tipo, ok, é assim que deve acontecer. Mas me recuso a não trabalhar com esses dois nunca mais.

DEADLINE: Então vocês estariam abertos a uma versão cinematográfica?

GYLLENHAAL: Se nós fôssemos fazer isso seria interessante ver o que esse material inspiraria nos autores e a forma como Carrie o vê e ver se talvez ela extraia uma ideia totalmente nova do que era, e talvez nem mesmo apenas a coisa em si, mas uma nova criação, quase como uma espécie de sequência ou algo assim. Quer dizer, eu anseio por isso. Acho que é provavelmente terrível para mim dizer isso, mas durante esse tempo eu tenho ansiado por encontrar gravações de produções que encerraram antes que eu pudesse vê-las, sabe? Para ouvir aquelas vozes cantando e ver algumas dessas apresentações, mesmo que tenham sido mal filmadas. Não podemos ir aos arquivos do Lincoln Center todos juntos, sabe? Eu realmente gostaria que pudéssemos continuar a exibir Slave Play agora. Eu gostaria que as pessoas pudessem ter essa experiência porque é muito visionária e acho que é muito importante. Sea Wall/A Life também. Tematicamente, é sobre luto e comunicação e sobre ser aberto e vulnerável nos momentos em que estamos apavorados e como é difícil amar e estar vivo.


Fonte: Deadline
Tradução & Adaptação: Equipe Jake Gyllenhaal Brasil

Ao longo de sua carreira, Jake Gyllenhaal tem sido um ator conhecido pela sua dedicação pela arte. Mas, chegando perto dos 40 anos, trabalho está começando a importar menos do que uma vida bem vivida, ele conta para Olivia Marks.

“Já consigo ver isso na revista,” brinca Jake Gyllenhaal. Com um sorriso largo, semelhante à de um filhote, ele está carregando dois copos de papel com água quente escaldante e uma caixa de chá PG Tips, debaixo do braço, do set da sessão de fotos com a Vogue para sua entrevista. E enquanto eu odeio ser uma repórter previsível… bom, aqui estamos nós. É uma cena tão improvável – a estrela de Hollywood fazendo ele mesmo uma xícara de chá (dois saquinhos de chá, sem leite, admitindo que, na verdade, ele preferiria a marca Yorkshire Gold) em um estúdio de fotos espaçoso no centro de Manhattan. Mas daí, Gyllenhaal insiste que é “tão britânico quando um americano pode ser.”

Sem ficar muito presa nas minúcias das habilidades de fazer chá dele (sem leite?), é verdade que o ator de 39 anos é meio que um admirador da Inglaterra. Ele fez sua estreia profissional no teatro no Garrick de Londres lá em 2002, com 21 anos, em This Is Our Youth (que também contam com Anna Paquin e Hayden Christensen). “Eu tive essa sensação de estar entre pessoas que olhavam para as coisas do mesmo jeito que eu olhava,” ele me conta da experiência, passando a mão pelo seu cabelo de príncipe da Disney, uma leve rouquidão em sua voz.

Desde então, ele passou “cinco ou seis anos somados” na capital, vivendo em vários lugares desde o leste de Londres até Notting Hill. Ele adora o Hampstead Heath – “eu acho que não existe nenhum outro lugar no mundo como esse” – e frequentemente se cerca de britânicos (ele recentemente terminou uma temporada na Broadway de Sea Wall/A Life com o ator Tom Sturridge e com a diretora Carrie Cracknell). Ah, e ele quer que seja sabido que sua etiqueta no teatro está em dia. Diferente de seus colegas americanos, ele odeia ir para o backstage após a peça. E, “eu não aplaudo quando os atores vão até o palco.”

Até então, bem britânico. O seu senso de humor é deliciosamente seco, também – mais seco do que alguém poderia esperar vindo de um ator que, ao longo de uma extensa carreira, ficou conhecido por possuir um certo comportamento sério e seriedade pelo trabalho. Eu não previa, por exemplo, a longa conversa que tivemos sobre a impraticabilidade de macacões ao ir ao banheiro (“Nós divagamos,” ele diz. “Ou não?”), ou o fato dele fixar com aqueles olhos famosos (meu deus, aqueles olhos azuis gelo, olhos claros) e perguntar se eu gostaria de um pequeno papel no seu novo show.

Deixa eu te contar, sentar em um banco lado a lado com o Jake Gyllenhaal na deslumbrante luz do sol, discutindo se eu deveria ou não interpretar uma crítica de arte chamada Blair na peça de Stephen Sondheim e James Lapine, Sunday in the Park with George – a qual ele irá estrear no Savoy Theatre em Londres em junho – é um deleite surreal. (Essa conversa ocorreu, claro, antes de um ponto de interrogação ter sido colocado sobre quando nossos teatros vão abrir.) “Ele entra em cena e diz [ele faz uma voz feminina sem ar], ‘George, Chromolume número sete.’ Você deveria entrar só no lugar de um convidado, sim? Ok!” O charme dele é tão grande, por um segundo eu fico tentada a aceitar.

Gyllenhaal irá esperançosamente reprisar seu papel como Georges Seurat, o pintor pontilista francês do século 19, no qual o musical ganhador do Prêmio Pulitzer é baseado. Realizado pela primeira vez em 1984, e lidando com amor, arte e conexão humana, é um espetáculo de duas metades distintas. A primeira segue um Seurat focado enquanto tenta completar sua obra de arte, A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte, ignorando suas muitas críticas, assim como Dot, sua amante e musa (interpretada por Annaleigh Ashford), no processo. A segunda retrata um tetraneto fictício de Seurat – também chamado George, e também interpretado por Jake – que é um artista na América dos dias atuais, e é igualmente obcecado com seu trabalho custando sua vida pessoal.

A peça chegou ao Gyllenhaal pela primeira vez em 2016, quando pediram que ele cantasse alguns dos números musicais para um espetáculo em Nova York. O breve show foi um sucesso, então quando, um pouco depois, um teatro em Broadway ficou disponível por alguns meses, ele sugeriu que eles levassem pros palcos. As críticas foram de brilhar, Jake uma revelação. (Ele me conta, adequadamente orgulhoso, “Foi realmente maravilhoso.”)

“Eu amo atuar em filme eu tive muita sorte,” ele diz, “mas eu realmente me sinto em casa quando estou atuando e cantando simultaneamente. Tem sido deste jeito desde que eu era muito novo.” Mesmo assim teatro musical não é, eu sugiro, onde as pessoas o imaginam. Sunday não é nenhum melzinho na chupeta, mas sim uma trilha notoriamente difícil de ser cantada. “Eu sou muito interessado em saber onde eles me colocam,” ele ri. “Eu tentei fugir desses lugares minha vida inteira.”

Nascido e criado em Los Angeles, ele curtia algo de uma infância dourada como parte de uma família liberal no ramo do show-business. Seus pais – diretor Stephen Gyllenhaal e roteirista Naomi Foner (agora divorciados) – contavam com Jamie Lee Curtis e o agora falecido Paul Newman como amigos próximos (Gyllenhaal conhece eles como padrinhos). A mãe dele é “profundamente feminista”, e Jake cresceu “em um mundo com minha mãe organizando jantares em casa com grupos feministas e mulheres muito poderosas na política e em Hollywood”. Ela suplementou a dieta dele de filmes do Spielberg com filmes do Ken Loach, o que explica muita coisa. Agora ele mora em Nova York, perto de sua irmã atriz Maggie e de um círculo próximo de amigos, alguns que ele conheceu na escola, outros, como Sturridge – “forte, tão inteligente, engraçado” – ele colheu ao longo do caminho.

É verdade que ele é um ator que evitou classificações – profissionalmente e pessoalmente. Ele deu o tom com a película indie cult Donnie Darko, o papel que o deixou conhecido, em que ele interpretava o jovem torturado que dá nome ao filme. Quatro anos depois, ele ganhou um Bafta por seu trabalho excepcional ao lado de Heath Ledger no marco de carreira de Ang Lee, O Segredo de Brokeback Mountain, antes de interpretar um fuzileiro naval americano no filme Soldado Anônimo de Sam Mendes e um caçador de assassinos em série para David Fincher em seu filme Zodíaco. Ele tem uma reputação de ir a fundo com suas preparações. Para O Abutre de 2014, ele perdeu 13kg e mal dormiu para se transformar no rígido malandro, mas ele correu 24km por noite para interpretar o campeão de boxe em Nocaute. Quando, em 2017, ele interpretou Jeff Bauman em O que te faz mais forte, um homem que perdeu as pernas no bombardeio da maratona de Boston, os dois conversaram todos os dias por meses.

Enquanto ele ainda tem que começar a praticar pontilhismo, ele disse que consegue facilmente se identificar com a mentalidade do Seurat, um artista consumido pelo trabalho acima de tudo. “Sim, eu me identifico com isso profundamente,” ele explica sinceramente. “Essa é a dificuldade o tempo todo.” Mas algo mudou nos últimos anos. “Estou interessado na minha vida, até mais do que em meu trabalho. Eu alcancei um ponto na minha carreira em que eu estou com fome por outas coisas. Eu vi o quanto da minha vida eu negligenciei como resultado de estar comprometido com aquele trabalho e com aquela ideia.”

Basicamente, ele se iluminou. Uma parte disso tem a ver com idade, “ver a vida como algo que é, sabe, passageiro, e o mundo estando como está agora. Eu me voltei para a minha fala, me voltei para meus amigos e me voltei para o amor. Eu estou um pouco menos interessado no trabalho, eu diria, e mais interessado nisso.”

Parece que interpretar um artista neurótico foi transformador. Ele concorda, especialmente na maneira que o fez olhar para seu futuro. O George do Segundo Ato, ele diz, experiencia sucesso financeiro e de crítica, mas nunca teve uma família. Ele recita sua frase favorita da peça: “Tudo o que você fizer, deixe que venha de você. E então será novo. Nos mostre mais.” Faz ele pensar no “ato de fazer amor para fazer uma criança… a coisa real é vida. Você chega no final da peça e é sobre isso que ela é. Crianças. Crianças e arte.”

Você vê crianças no seu futuro, eu pergunto? “Sim, claro que eu vejo”, ele responde. “Eu definitivamente vejo. Eu acho que essa é provavelmente a razão de eu ver o final da peça do jeito que eu vejo. Eu sei que é por causa disso que eu vejo o final da peça do jeito que eu vejo.”

“Eu não sou alguém que alguma vez existiu em um espaço onde eu realmente soubesse o que viria a seguir,” ele diz. “Mas você tem que estar aberto a isso. E não houve nenhuma outra época na minha vida que eu possa seguramente dizer que…” ele arrasta a fala, mas fica claro para onde ele estava indo. Gyllenhaal é conhecido por ser fantasticamente privado, e seus relacionamentos passados com mulheres de alto nível – Kirsten Dunst e Reese Witherspoon entre elas – tem sido bom, se frequentemente de maneira errada, documentados. Há dois anos ele está em um relacionamento com a modelo francesa Jeanne Cadieu e, enquanto se aproxima dos 40 anos, claramente família está em sua mente.

Mas de novo, ele sempre foi muito próximo de sua própria família. “Eu fui criado por um pai maravilhoso que sempre foi carinhoso,” ele diz. “Minha mãe e minha irmã são umas das pessoas mais extraordinárias que eu conheço. Nossa vulnerabilidade um com outro, nossa habilidade de comunicar sobre como as coisas podem estar sendo difíceis são as coisas de que mais me orgulho de minha família. De tudo que eu espero passar pra frente, essas são as mais importantes. Minha mãe sempre dizia que ela me via como um certo tipo de criança e que ela queria proteger isso. E confessadamente, mesmo que eles tenham errado algumas coisas, eles passaram um bom tempo protegendo essa coisa, essa sensibilidade, eu acho. Eu sou grato por isso.”

Ele está contente que homens estão encontrando um jeito de serem mais vulneráveis, também. “É muito importante que estejamos representando homens de maneiras diferentes em filmes, na arte. Eu lembro de ser muito jovem, muito sensível, e me disseram que eu era um capacho.” Ele ri incrédulo. “Eu acho que o que eles estavam tentando dizer, que está cheio de suas pequenas complicações interessantes, é que eu me importava. E as coisas me afetavam. Que potencialmente eu não seria alguém que você imaginaria pulando de um teto para um prédio em chamas. Mas eu não acredito nisso. Quando eu fiz Soldado Anônimo, o escritor William Broyles me disse, ‘Você é igual muitos dos caras que serviram comigo.’ Eu acho que é importante perpetuar isso na contação de histórias.” Ele pausa, antes de brincar: “Ao mesmo tempo, isso pode só ser eu tentando conseguir mais empregos.”

Ele tem uma rede de amigos forte – dê uma olhada no Instagram dele e você achará fotos do Tom Holland e do Ryan Reynolds com hashtags como #MetaDeMarido e #dianacionaldomelhoramigo. E quando lhe digo que ele é sortudo e incomum, como homem já na casa dos trinta, ter relacionamentos tão sólidos, ele visivelmente se emociona. “Você está fazendo eu me sentir muito emotivo sobre meus amigos,” ele diz, docemente. “Essas amizades masculinas são muito importantes para mim.” Bom, eu digo, não tem nada mais legal do que saber que temos nossas pessoas. “Nós estamos todos desesperados por isso, não estamos?” ele diz, olhando para mim com aqueles olhos que buscam por algo. E eu acho que ele está certo: tudo o que realmente importa é amor e arte e conexão humana.


Fonte: Vogue Britânica
Tradução & Adaptação: Equipe Jake Gyllenhaal Brasil